10 Japanska Samtida Konstnärer Som Känner Till
Chiho Aoshima
En medlem av konstproduktion företaget Kaikai Kiki och Superflat rörelsen (båda grundade av legendariska japanska konstnären Takashi Murakami), Chiho Aoshima är mest känd för sina fantastiska urbana popvarelser och landskap. En autodidakt som började arbeta med grafik på Murakamis fabrik, skapar Aoshima surrealistiska drömlandskap bebodda av spöken, demoner, unga kvinnor och naturelement. Hennes konstverk är typiskt storskaligt och tryckt på papper med material som läder och plast, för textur. År 2006 producerade Aoshima City Glow, Mountain Whisper (2006) vid Gloucester Road Station i London som en del av Art on the Underground där 17 på varandra följande plattformsbågar skapade ett magiskt landskap som gradvis förvandlades från dag till natt, urbana till landsbygden. Arbetet avbildade Aoshimas utopiska värld, vilken tid är avstängd och organiska varelser är en med annars livliga saker.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota är en prestations- och installationsartist som skapar storskaliga, platsspecifika visuella installationer. Centralt för hennes övning är teman av minne och glömska, drömmar och verklighet, förflutna och nuvarande, och konfrontationen av ångest. Hennes mest berömda verk är ogenomträngliga vägar av svart tråd som omsluter en mängd olika hushålls-, personliga och vardagliga föremål, såsom gamla stolar, ett bränt piano, en brudklänning och ibland konstnären själv. Minnets labyrint (2012) består av en serie klänningar fyllda av allestädes närvarande svart tråd som finns i så många av hennes verk. Dessa klänningar är uppfattade som en "andra hud", både formning och förträngning av kroppen. Omnipresence av svart garn är avsett att beskriva och genomdriva detta exakta förhållande. Sommaren 2014 installerade Shiota Perspektiv (2004), gjord med mer än 300 donerade skor med handskriven anteckningar från varje givare, som förtjänar ett personligt minne. Shiota kopplade sedan skorna med en sträng av rött garn, vardera avstängd från samma krok. Shiota representerade Japan vid 56: e Venedigs Biennalen 2015 och hennes första utställning i Blain Southern, Berlin, som öppnade under Berlin Art Week i 2016, gav en känsla.
Perspektiv: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa är inspirerad av förändringsstater, perioder med instabilitet, glada olyckor och riskelement. Hans prestationsstycken och installationer involverar teman av kollektivitet, vänskap, samtidighet och improvisation. Arakawas arbete är nästan alltid samverkande och engagerar sig i konstens element av socialt spektakel - från produktion till förstörelse. Hans konstnärliga känslighet är informerad av ett utförande, obestämt "överallt men ingenstans" villkor. Hans arbete dyker upp på oväntade platser internationellt och multipliceras genom samarbetsprocesser. År 2013 utställdes hans arbete i Kamikaze Loggia (Georgiens Pavilion) vid Venedigs Biennalen och i en undersökning av japansk samtida konst med titeln Roppongi Crossing vid Mori Art Museum. Hans installation Hawaiian Presence (2014) var ett samarbetsprojekt med New York-baserad konstnär Carissa Rodriguez för 2014 Whitney Biennial. På Frieze London 2014 presenterade Arakawa och hans bror Tomoo - som ett duo under namnet "United Brothers" - ett prestationsarbete med titeln " Gör denna soppa smakande ambivalent?", Där paret erbjöd soppa till besökare, ansett gjord med Fukushimas "radioaktiva" daikonrots. Koki Tanaka
Deutsche Banks 2015 Årets Konstnär, Koki Tanakas visuella tillvägagångssätt utforskar samhället och en gemensam erfarenhet av kreativitet och fantasi, uppmuntrande utbyte mellan deltagare samtidigt som man förespråkar nya samarbetsregler. Hans installation vid Venedigs Biennals Japan Pavilion bestod av en video med föremål som omvandlade paviljongen till en plattform för konstnärlig delning. Tanakas videor och installationer utforskar förhållandet mellan objekt och handlingar, inspelning av enkla gester som utförs med vardagliga föremål som knivskärningsgrönsaker, öl hällde i ett glas och öppnandet av ett paraply. Ingenting av storhet händer i dessa videoklipp, men kompulsiv upprepning och uppmärksamhet på små detaljer tvingar betraktaren att värdera det vardagliga.
Mariko Mori
Mariko Mori skapar multimediaverk i video, fotografi, nya medier och installationskonst. Hon uttrycker en minimalistisk, futuristisk vision genom snygga, surrealistiska former. Ett återkommande tema i Moris arbete är juxtapositionen av östlig mytologi med västerländsk kultur, vilket framgår av hennes digitala lagerbilder. Mori blev framträdande med
Wave UFO , som debuterade på Kunsthaus Bregenz, Österrike år 2003. Därefter reste den här stycket till New York och inkluderades senare i Venedigs Biennalen 2005. År 2010 grundade Mori Faou Foundation, en pedagogisk och kulturell ideell organisation genom vilken hon ägnade en rad egna harmoniska, platsspecifika permanenta konstinstallationer för att hedra de sex beboeliga kontinenterna. Senast har en Faou Foundation permanent installation med titeln Ring: One with Nature installerats över ett naturskönt vattenfall vid Visconde Mauá i Resende, inte långt från Rio de Janerio. Mariko Mori, "Infinite Energy" , 2013. Arbeta med stöd av Espace Louis Vuitton Tokyo | © Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda är en ny medie- och ljudartist vars arbete främst sysslar med ljud i en mängd olika "rå" stater - från sinus till ljud - använder frekvenser i utkanten av det mänskliga hörselområdet. Hans föreställningar och immersiva installationer innefattar datorgenererade ljud som omvandlar visuellt till videoprojektioner eller digitala mönster. Ikedas audiovisuella arbete använder skala, ljus, skugga, volym, skugga, elektroniska ljud och rytm för att översvämma sinnena. Ikeda berömda
Testmönster [no.5]
består av fem projektorer som belyser ett golvområde som är 28 meter långt och åtta meter bredt. Installationen konverterar data (text, ljud, foton och filmer) till streckkod och binära mönster av nollor och sådana. Ikedas oeuvre innehåller också en nattföreställning, till exempel datateknik [ver.2.0] , en uppdaterad version av en audiovisuell konsert som han har presenterat på flera platser runt om i världen sedan 2006, från Zero1, San Jose, Kalifornien, för ISEA 2006. Ikeda undersöker och tillämpar matematiska och vetenskapliga metoder för att forma musik, tid och rymd och skapa fascinerande upplevelser. Han utforskar ljud och syn, dekonstruerar sina fysiska egenskaper för att avslöja de komplexa relationer som är inblandade i mänsklig uppfattning. I slutändan tester Ikeda de extrema potentialerna i digital teknik, utmanande trösklarna för uppfattningen. Takashi Murakami Takashi Murakami är en av Japans mest ikoniska samtida konstnärer. Från måleri till storskaliga skulpturer och mode samarbeten är Murakamis arbete påverkat av manga och anime. Grundare av Superflat-rörelsen och Kaikai Kiki konstnärskollektivet, Murakami har utvecklat och stött karriärerna hos många av hans samtidiga. Uttrycket "superflat" beskriver både de estetiska egenskaperna hos den japanska konstnärstraditionen och karaktären av den japanska kulturen och samhället efter kriget. Traditionen lämnade ett arv av platta, tvådimensionella bilder, med tonvikt på plana färgflansar, som har omarbetats i modern kultur genom manga och anime. Efterkrigstiden Japan har också upplevt en "plattning" av skillnader i social klass och populär smak. Murakamis egen praxis inbegriper ompaketeringselement som vanligtvis anses vara "låga" eller subkulturella och presenterar dem på "höga" konstmarknaderna för mode och konst. Hans provocerande
Min
Lonesome Cowboy (1998) såldes på Sotheby's New York för en rekord på 15,2 miljoner dollar år 2008. Förutom hans konstverk har Murakami samarbetat med Marc Jacobs, Louis Vuitton och Issey Miyake. Tatsuo Miyajima Tatsuo Miyajima är en skulptör och installationsartist vars högteknologiska verk använder moderna material som elektriska kretsar, video och datorer, centrerad på användningen av gadgets sedan 1980-talet. Miyajimas kärnkonstnärliga begrepp drar inspiration från humanistiska idéer och buddhistiska läror. LED-räknarna i sina anläggningar blinkar kontinuerligt i upprepning från 1 till 9, som symboliserar resan från liv till död, men undviker finalitet, som representeras av 0 och aldrig visas i hans arbete. Hans ständigt närvarande siffror, presenterade i galler, torn och kretsar, uttrycker sitt intresse för idéer om kontinuitet, anslutning, evighet och tid och rymdflöde. Senast presenterades Miyajimas arbete med titeln
Arrow of Time (Unfinished Life)
i Met Breuers inledande utställning, Oavslutade: Tankar vänster synliga i New York City. 藍色 地平線| © Bowy Gavid Bowie Chan / Flickr Yayoi Kusama
Med en förbluffande karriär som spänner över sju årtionden har Yayoi Kusama utforskat riken om målning, teckning, collage, skulptur, performance, film, printmaking, installation och miljökonst, som såväl som litteratur, mode och produktdesign. Kusama har utvecklat en mycket distinkt stil av polka dotted art, som sedan dess blivit hennes varumärke. Sådana illusoriska visioner är, för Kusama, den produkt av hallucinationer hon har upplevt sedan barndomen, där världen tycks täckas i spridande former. Kusama har täckt hela rum med färgstarka prickar och "oändliga" speglar som oändligt speglar färgstarka ljusformer.
Yayoi Kusama, efterdyning av evighetens utblåsthet [installationsvy], 2009 | © Andrew Russeth / Flickr
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara skapar målningar, skulpturer och ritningar som visar sina signaturer med stora ögon och hundar - ämnen som försöker fånga barnliknande känsla av tristess och frustration och återskapa hård självständighet som är naturlig för barn. Påminner om traditionella bokillustrationer, presenterar hans estetik en rastlös spänning, delvis påverkad av Nars kärlek till punkrock. Titlarna i hans verk är ett vittnesbörd till detta, från
Flickan med kniven i hennes sida
(1991) till Tyst våld (1998), Neurotisk till benet (1 ) och Det finns ingenting (2000). År 2011 höll New York Citys Asiens samhällsmuseum sin första stora soloutställning med titeln Yoshitomo Nara: Nobody's Fool , som omfattar arbete som sträcker sig över konstnärens 20-åriga karriär. Verken på showen var nära kopplade till känslor av ungdomssubkulturer över hela världen, med fokus på teman av alienation och uppror, särskilt i förhållande till rock och punkmusik. Pup King - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
